从中国画产生到有了比较完善的绘画语言，以至比较有系统的游戏规则，传统和现代就成为孪生姐妹了。我们可以往上看一看，隋唐的绘画，发展到五代、北宋，一直到南宋、元朝以至明、清，每个朝代的笔墨表现形式，基本上是有同有异，是为“通变”。这就如同佛家讲的“相继相续”、“非断非常”。每个时期中国特有的文化气质没有变，可每个时期又有新的事物、新的现象。中国画非常强调传承，在表现题材和艺术语言上，无论一个时代同另一个时代有什么样的差异，这种差异都会是延续的。
拿赵孟頫来说，他画的马基本上取法于韩干和曹霸，但又不同于他们。到了董其昌更是从“变古”中求趣味，他认为：一切技法都来自古人，贵在学古而能变。你说他泥古吧，他还能变，可能这就是中国画的那点意思。
现在常提的一种口号是：“正本清源”。什么是本?什么是源?不好说清楚，基本上都认可宋、元，又言之：“直逼宋元”。为什么要“直逼宋元”?我觉得在宋元时期，人们对绘画这种游戏的把握，一是比较纯粹的，二是比较唯美的。纯粹说明了高度，唯美体现了境界。他们用毛笔诠释着对于儒、释、道的思想感受，更不乏讴歌自然，抒发感情。
由于中国绘画特有材质：毛笔、墨、宣纸，决定了中国画的形式语言和形式法则，可以说这两个时代的画家在中国画的历程中形成了独特风貌，也构建了完整的艺术美学。到后来的画家，无论是写意的，还是工笔的，虽然在某些地方超越了宋元时期的审美空间，但基本上都沿袭了其中的笔墨情趣。
传统我觉得不要简单否定，他给我们搭起了这么高的平台，你为什么还要从平地上干起呢。反之，也不要盲目地崇拜，平台是有了，你老在这个台子上舞啊跳啊的，备不住会影响你的活动空间。
我们现在好多人讲中国画走向穷途末路了，它的发展空间小了。我觉得任何一件事物有极致就有消亡，但消亡之后又会再生，对中国画悲观意识的产生，是一种正常的忧天现象。
像李元霸这样的英雄，双臂有千斤之力，我们现在的人肯定没有了。过去有千里马，日行千里，夜走八百，现在有没有?也没有了。我觉得李元霸双臂有千斤力气一是天生的，二是练出来的，现在没人练了，但我们有起重机，岂止千斤。现在没有千里马，一是没了驯千里马的驯马师，二是千里马失去了特定的价值，但我们有造汽车的师傅，造的汽车一天可以跑几千里。这说明人的智慧是在发展的。一种文化现象，它可能在某一时期会减弱，但是它不像动植物似的完全消亡，假如消亡也是有原因的。比如：过去某个朝代的某种文字和习俗，那是因为那个民族朝代不存在了。
其实在中国画的发展历程中，每个时期都有过危机感。比如清朝的四王、吴、恽，他们“师古人”、“袭宋元”，基本都是保守派的代表人物，我们现在看，那在当时就是一种危机。可当时也有一帮不完全按照传统出牌的艺术群体和艺术个人，他们“师造化”“师自然”，像：扬州八怪、八大、石涛这些人不按套路出牌，出奇牌，回头看他们才是真正的艺术实践者，让清代的绘画光彩了，并对于中国画的发展，着实写了一笔。现代社会中，也有一些瞎出牌、出奇牌的，至于出的好坏还要等待时间的考验。
不过有一点不能否认，现代社会，绘画很大程度上已经失去了它在历史上的特有社会价值。像过去李后主让顾闳中以间谍的身份去了解韩熙载的生活状况，回来画了一幅画，应该说这幅作品对于韩熙载的表现，胜于几万字的书面报告。还比如：《清明上河图》，对于当时社会风情的描写，是多少语言也记录不下来的，这就是绘画的社会功能。这种功能是其他东西不可替代的，有很大的社会作用。即便是当时的一些宫廷里的山水花鸟画家，也是画些山山水水花花鸟鸟的，供达官显贵们在家里把玩。也许，因为过去交通不方便，去不了很多地方，有些美丽的山川借画家的手让他们足不出户就可以观赏，这体现了在特定的历史环境下，画家所特有的一些社会价值。到后来参与绘画这种游戏的，不仅仅是专业画家群体，而且还有文人骚客、王公贵族、甚至皇帝，由于他们的参与，大大地扩展了这个艺术群体的社会力量。因为过去专业画家所描绘的题材，是具有针对性和目的性的，而后者只把它作为一种游乐方式来抒发自己的襟怀，陶冶自己的情趣，随心所欲，想怎么玩就怎么玩。画一幅画，就如同下一盘棋，弹一首曲子，这大大地丰富了中国绘画的多重性，提高了中国画语言的文化格调。
我们担心，中国画在现代社会中，无立足之地以至于走向消亡，不是没有可能，但是可能性很小，随着社会的发展，现在喜欢艺术的，不知要比前几十年多多少倍，基本是涉及每个行业。有些非物质文化遗产面临消亡，那是因为参与的人少了，事实证明现在参与绘画的比任何一个时期参与的人都要多，它会消亡吗?我觉得不会。
古代中国作为一个农耕社会，在历史上，文学艺术的观点都是在地域文化中产生的，文学艺术的风格和当地的风土人情有着密切的关系。
绘画像什么吴门画派、京津画派、扬州八怪、金陵画派等等;文学上有什么新安派、桐城派等等。这些都是以地方名称命名的艺术群体，地域名称高过了作品风格的魅力。
现在信息这么发达，八大、石涛的画册随处可见，无形中，我们会受到一种或者几种审美模式的影响。前几年，看看我们的山水画，大部分都有石涛、龚贤、弘仁的影子，现在则流行黄宾虹。由于信息过于便利，每个行当都很容易受到潮流的干扰。比方说巴黎时装节预言说今年的裤子流行喇叭腿，很快连村子里集市上卖的都是喇叭腿。所以，就不能指望现在还像过去那样，各地都有颇具地方特点的服饰了，即便是有，也快是一个保留的节目了。
对于艺术我不太关注它是否传统、是否现代，我只关注它的好与坏，高与低。
对于西方的价值观问题，我觉得艺术的创作肯定不是封闭的，应该博采众家、吸纳东西，好的东西都应该学习，学习也是一个认识的过程，什么是你需要的，什么是好的，这很锻炼你的眼力。
西方的价值观和艺术观，一定阶段肯定对于我们的创作有干扰，但不是影响。加州牛肉面开始说把兰州拉面、山西刀削面……给顶了，顶了吗，没有，应该是各有千秋。绘画也是如此，刚开始我们觉得西方的东西很新鲜，但回头望望中国的文化是那么的博大精深，一点也不逊色。
现在是经济社会，人们热衷于投资股市、期货、房地产，当然，还有艺术品。
随着社会的发展，人们对于艺术和文化的关注是一个必然的现象。在国外发达的地方，对于一个企业的评价，不仅要考察他资金和资产的多少，还要考察他对社会文化艺术贡献的多少。人们热衷于艺术，这不仅代表的是精神文化消费，而且就像我们关心身体一样，你过去几十年可能都没有体检过，现在生活水平高了，意识到身体的重要了，年年体检，防患于未然。为什么?你过去连饭都吃不饱，对于身体的珍惜就显得不那么重要。其实，现在对精神的关注要高过物质的拥有。
对艺术品投资的人大多是以营利为目的的，这也无可厚非，但我觉得还是应当把艺术品当作消费品，今年你花一万块钱买的一张画，过几年你就想让它涨到三万、五万，我觉得这种消费是不健康的。对艺术品的收藏，不同于股票和房地产的投资，艺术是可以给你带来思想愉悦的。比如你买了一个杯子，你首先要使用这个杯子，用它喝水什么的，若干年后，它可能涨到了五百、五千，成了收藏的艺术品了，这是意外的收获，但它已经实现了杯子本身的价值，使用中有收藏，多开心。你买一张画，主要是看它，欣赏它，你觉得值，就够了，不要对他有过高的期望值。假如若干年后它为你赚钱了，那你偷着乐就行了。
艺术不是越贵越好，你花五万元买的汽车肯定和二十多万买的汽车有明显的区别，因为汽车是由配置、款式等决定价格，它有一个比较可靠的数字做参数。艺术品就不好说了，一百万元买的过几年可能就值几十万元，甚至更少;反之，你花几万元买的过几年可能会值几百万元，这可能就是艺术品的魅力。
艺术品有市场不是坏事。齐白石卖了一辈子画，一辈子都是为钱努力，画出的作品照样不得了。相反，埋头搞一辈子艺术的人，没有受到市场的关注，也没搞定艺术，自己反被艺术给搞了。齐白石喜欢钱不假，金条和钱柜的钥匙都拴在腰上，谁都动不得摸不得，但他骨子里还透出了比金钱更能打动人的艺术天赋。所以金钱在他的画画过程中基本没有什么体现。再有，现在好多画家的精品基本都舍不得卖，齐白石则不然，自己满意的东西都舍不得题款，放起来准备给买家，让买家出一个好价钱。我觉得金钱从某些方面说，倒成全了他的艺术。不过有些画家，本来有几分天赋，但听从画廊老板的摆布，一股劲地追逐利益，不小心栽在了小老板的手里，这种事也是有的。
画画不是我生活和艺术创造的全部，它只是我生活中的一部分，我很热爱它，因为我从中得到了很多快乐，而且实现了很多自己想实现的价值。
原来我上的是师范学校，低年级素描、色彩、版画、油画什么都学，后来才接触国画，而且是山水、花鸟、人物什么都画。但在美院就不存在这个问题，画什么的就一直接触什么，这肯定有利于本专业的强化。但对于我们师范生来说学得很杂，这可能是缺点，反过来讲，你把它看作博览群书好了。因为每一种绘画都有它的特点，这倒很有利于彼此的借鉴，而且是无意识的，这样看来可能更有优势。我在单位里做编辑、做设计，单位的领导经常教育我们，作为一个编辑工作者，首先要成为“杂家”。设计这项工作他要求你要了解观众，作品要能打动人，产品才有卖相。画画容易沉浸于自己的感受，而不去考虑打动别人，我觉得设计反而增长了我的知识点，让我更注重别人的感受。
我老是劝自己，不要把画画这件事看得太沉重，我们生活中还有其他的酸甜苦辣。圣人讲：“治大国若烹小鲜”，治理大国不是每个人都有机会，但是我们都有自己的“小鲜”烹，或者你干脆就把“小鲜”当作“大国”去治理，也挺有意思，我就是这样享受我的绘画的。
