“以心接物—从生活中来”，取这样一个展览名称不仅说明参展画家们的创作源泉来自生活，而且更明确地昭示：他们用心灵感受自然，他们的艺术创作是生活的延展与升华。参展的画家共有8人，他们或在美术院校任教，或在画院或在出版社工作，都是当前中国画领域的中坚力量。
李洋，从20世纪80年代毕业留校至今，经历了从传统出发，到探索新路，再回归传统的过程。他在学生时代的作品，就显示了扎实的造型基本功，写实能力和处理画面的能力都很强，深得导师卢沉的喜爱。犹如卢沉所有的学生一样，李洋记住中国画泰斗齐白石的名言“学我者生，似我者死”，他没有沿袭老师的画风，而是把“自立门户”当做自己的奋斗目标。他很快不满足于写实造型的中国画，而进入新的探索。他思考如何确立自己新的绘画理念，在更为广阔的传统文化基础上构建新的艺术样式和艺术语言。他探寻到的“画若布弈”的创作思想和苦心经营的“意象色彩”课题，颇有新意，也得到卢沉的支持与赞许。李洋在艺术实践中不断地挑战自己、否定自己，他借鉴中国古代敦煌艺术，吸收西方现代艺术营养，创作了一批以表现为主导的抽象水墨，距离原来的起点走得很远。然而，迷恋意象色彩的李洋，凭着自己的直觉，更凭着自己的理性，始终认识到生活源泉的重要，他总结前辈大师们的艺术经验，提出“写生作品化”的主张，就是最好的证明。在他最近的作品中我们可以看到，他把严谨的造型功力与意象性的手法糅合在一起，赋予写生以创作的品格。这时，画中的人物形象更具有现实感，他原来追求的“意象色彩”已融合在笔墨的情趣之中。
把写生与创作割裂开，将写生仅仅视为搜集素材的手段，视为创作的准备，这是欧洲古典学院派的成见，印象派开始打破这一陈规，开写生亦创作先河，推进了现代艺术的历程。近20年来，在中国画界写生与创作之间虽然已不那么壁垒分明，但仍有不少模糊认识，因此明确提出“写生作品化”的主张，对美术教育、创作与评论，都有不可忽视的现实意义。
“写生作品化”并不要求一切写生都是一件独立的创作，虽然从“创作”广义的概念出发和从现代艺术观念的角度，写生与创作是无界限可言的。“写生作品化”的观念提示我们，写生不是对客观对象的机械摹写，而要从创作的角度去取舍、去概括、去提炼，这在学生阶段就应该培养这个观念。
李洋曾于2004年参与主持中央美术学院首届中国画专业博士课程高研班。这次参加“以心接物—从生活中来”展览的其他7位画家，均为这个班的学员。在这个班的教学实践中，李洋努力贯彻“写生作品化”的理念，学员们也尝到了用心、脑、手结合写生—创作的甜头。结业之后这几年来，他们各自的创作有了新的面貌。这些个性各个有别的中年画家共同的经历和共同的艺术追求，是他们重新聚在一起展示作品的缘由。
任惠中，一个激情豪迈的画家。他的“藏区系列”，造型充满力度，墨色张扬泼辣。藏民渴求的眼神，静穆的身影，在他激奋乃至“痉挛”的笔触下，得到了重生。不断地深入生活和体验生活，不断地体悟自己的艺术感受，使他的艺术个性越来越鲜明。在他笔下，无论是军旅题材，还是西部风情，他奉献出来的感情都是激昂的、炽烈的。
一提到刘泉义，人们脑子里立刻会浮现出一群美丽的苗族少女，她们头戴银饰，身着华服，款款走来。在去贵州收集创作素材时，这些苗族少女文静、典雅和爱美的天性引发了刘泉义的审美情怀，她们的形象走进他的心中，步入他的画面。人们从他精湛的工笔语言中看到了率性的写意，从他自由的写意中看到了工笔的严谨。
张宝松和王珂的人物画一轻一重，一张一弛，各有千秋。或者更准确地说，张宝松的画以“轻”见长，“轻”中寓“重”，而王珂的画以“重”为特色，“重”中含“轻”。张宝松的“惠安系列”轻松、明媚，情景点到为止，画面不求满、求全，善于运用淡墨浅绛，营造出“犹恐相逢在梦中”的意境。王珂的人物造型讲究结构和笔墨虚实、浓淡、轻重变化的趣味，面部的写实技法有个人的理解和控制能力，善于细致地传达出人物丰富的表情，形象单纯而整体。
吉瑞森的花鸟画从程式化的手法走来，努力摆脱传统程式化语言的束缚。深知程式化与艺术个性辩证关系的他，尊重传统，张扬个性，通过写生归纳出个性化的表达方式。在他的作品中，一股明丽、轻快的情绪扑面而来，具有很强的抒情意味。
岳黔山才艺全面，主攻山水，兼画花鸟，大胆探究和运用各种笔法、墨法，在墨的运用中尤有个性追求。善于在写生景物中营造宏大气势，表现强劲力的美，是他艺术创作的特色之一。
徐恒钟情传统笔墨，对黄宾虹尤为酷爱。笔墨点擦皴染，自由、率性，作品虽多有古意，但不失自然之美。他写生，但远离写实，而用写意法大胆取舍，写情、写真感受。在他的作品中，寄寓的是对生活的热爱和对文人画传统审美理想的诉求。
这八位画家坚持中国画“师古人，师造化”的方向，勤于思考、勤奋劳作，在写生中发扬传统的写意精神。他们的探索与创造成果表明，中国画的复兴与繁荣，离不开传统观念与笔墨技巧的继承，更离不开艺术家与自然的直接交流。
展览“以心接物—从生活中来”的现实意义就在于此。
( 邵大箴，中国美术史学家，美术评论家。江苏丹徒人。1955年赴苏联列宾绘画雕塑建筑学院美术史系学习， 1960年7月毕业后回国任教于中央美术学院。长期从事西方美术史和中国现代美术的研究，其中对西方现代美术的发展及中国当代美术创作研究尤为深入，成就卓著。在研究中大力培植中国现代美术，力促中国美术形态从传统走向现代。曾任《世界美术》杂志负责人、中国美术家协会书记处书记、《美术》杂志主编，现任中央美术学院教授、 中国美术家协会常务理事、美协理论委员会主任委员。著有《现代派美术浅议》、《传统美术与现代派》、《欧洲绘画简史》(与奚静之合著)、《西方现代美术思潮》，主编《外国美术名家传》（与奚静之合作）、《现代艺术辞典》，译有《论古代美术》（原著者为德国温克尔曼）。
